Clémentine Tholas: Entrevista a Harmonia Rosales

Harmonia Rosales, nacida en Chicago en 1984 de padre cubano y madre jamaicana, reside actualmente en Los Ángeles y trabaja en la intersección de la mitología afrocubana, la iconografía cristiana y la historia del arte europeo, reinterpretando composiciones clásicas para dar protagonismo a las mujeres negras y las narrativas de la diáspora.

En gran medida autodidacta, Rosales domina las técnicas del Renacimiento y el Barroco, sentando las bases de una práctica visionaria que fusiona la precisión técnica con un alcance mítico. Al unir los lenguajes de los grandes maestros con las cosmologías de la diáspora africana, construye un canon visual alternativo en el que la divinidad, la creación y la belleza se reinterpretan a través de la experiencia afrodescendiente.

Su obra Memorial to Enslaved Persons en King’s Chapel de Boston (2025) ejemplifica su compromiso con la reescritura de los fundamentos visuales y espirituales del arte occidental. En su libro reciente, The Chronicles of Ori: An African Epic (WW Norton, 2025), Rosales extiende esa visión a la narrativa, ofreciendo un viaje «de vuelta a quienes somos». Su larga trayectoria explorando a los Orishas —deidades de la tradición yoruba— encarna su creencia en el poder del mito y la imaginación para reparar y reimaginar la memoria colectiva.

Clémentine Tholas: Harmonia, ¿podrías darme más detalles sobre tu formación artística y cómo desarrollaste tu práctica?

Harmonia Rosales: Soy autodidacta. No asistí a la escuela de arte, pero crecí con una madre que pintaba. Ella fue una fuente de inspiración porque practicaba la pintura al óleo y yo me sentaba debajo de su mesa de arte. Me permitía jugar con sus pequeños óleos y así fue como me introduje en el mundo del arte. Desde que tengo memoria, siempre quise crear. Sin embargo, en mi familia, especialmente con un padre cubano que valoraba mucho la educación, el arte no se consideraba una carrera, sino un pasatiempo. Finalmente, comencé mi carrera artística a principios de mis treinta, después de un divorcio y de volver a casa con mis padres con dos hijos a quienes tenía que mantener. En ese momento, sentía que todo estaba patas arriba y llevaba tres años sin pintar, pero buscaba una manera de encontrar la felicidad. Necesitaba encontrar mi voz a través del arte y la creatividad, así que regresé al Instituto de Arte de Chicago con mi hija, que entonces tenía siete años, para compartir con ella estas obras de arte que me fascinaban de niña. Quería mostrarle que contemplar pinturas tenía similitudes con contar historias y que se podían encontrar muchas historias en esas obras maestras del Renacimiento de las que me enamoré. Íbamos de sala en sala, y le explicaba los detalles de esas obras figurativas y la complejidad del cabello, las capas de la piel, las venas, etc. Le describía la belleza eurocéntrica y mi hija permanecía en silencio. Cuando le pregunté si no le gustaban las pinturas, respondió: «No se parecen a mí». Era la simple constatación de una niña de siete años, y me di cuenta de que nunca me había hecho esas preguntas porque me habían inculcado esas imágenes sin cuestionarlas. Sin embargo, como madre, deseaba llevarla a algún lugar del museo donde pudiera ver su hermosa piel morena, pero no había ninguna sala así en todo el museo. No poder resolver este problema para mi hija me hizo sentir muy pequeña.

Y también empecé a recordar cómo me adaptaba a la imagen que la sociedad quería que tuviera de mí. Por ejemplo, al alisarme el pelo, acepté llevar una máscara de conformidad. De repente, comprendí que las historias que se contaban en las instituciones culturales se basaban en la invisibilización, ya que fomentaban un discurso dominante. Y, como consecuencia, yo misma estaba borrando mi propia identidad porque no se hablaba de ella ni se mostraba. Por lo tanto, sentí que tenía que pintar un mundo al que mi hija perteneciera. Le dije: «Hay dioses y diosas que se parecen a ti. Durante mi infancia, mi abuela me habló de los orishas y otros dioses africanos». En efecto, me ha transmitido una mitología oral, pero el término es inadecuado; debería decir afropanteología, porque millones de personas aún siguen estas creencias. La diáspora africana atesora su historia y espiritualidad en estas historias, que lo abarcan todo. Y se mantiene viva a través de la memoria. Decidí plasmar estas historias desde una perspectiva femenina y redefinir el papel de la mujer en estas mitologías, donde generalmente ocupan un segundo plano frente a las figuras masculinas. Quería restablecer el equilibrio y contar las historias de personas que habían sido borradas o demonizadas. Opté por darlas a conocer al público general, reinterpretándolas en relación con obras del Renacimiento, la mitología griega y relatos bíblicos.

CT: El arte religioso está muy presente en toda Europa, tanto en lugares religiosos como en museos en general. Las imágenes religiosas forman parte de un inconsciente cultural compartido, moldeado en gran medida por visiones que siguen siendo poco acogedoras para las culturas no europeas. Acabas de publicar el libro Las crónicas de Ori: Una epopeya africana [1]. Es una experiencia muy distinta a la de la pintura. ¿Es una forma de materializar este legado oral que heredaste de tu familia? ¿Te convierte este proyecto literario en educador?

HR: El libro surgió de forma totalmente orgánica. Empezó con pintar los relatos que recordaba y comencé a investigar, pero muy pronto la investigación se volvió más importante que la pintura. A medida que acumulaba material, me di cuenta de que quería llenar el vacío de estos archivos olvidados. Quería que la juventud negra tuviera acceso a este conocimiento en la escuela. Quería ofrecer una nueva perspectiva sobre la historia de la diáspora porque se nos enseña que nuestras historias comienzan en la esclavitud y no nos vemos a nosotros mismos como seres divinos. Nuestro talento se reduce a un mero símbolo. Y si no construimos una imagen positiva, ¿cómo nos van a percibir los demás? Empecé a pensar que necesitábamos una narrativa general y consideré la estructura narrativa de las Metamorfosis de Ovidio como modelo. La narrativa general que quería desarrollar podría ser cómo estos dioses negros fueron enmascarados y se perdieron. Mi pintura y mi libro están diseñados para que esto sea fácilmente comprensible.

CT: Cuanto más me reúno con artistas, más comprendo que la investigación es fundamental en su práctica y que, además, suelen ser historiadores. ¿Tienes la sensación de que la experiencia de escribir también ha influido en tu forma de pintar?

HR: No, en realidad escribí del mismo modo que pinto. Aunque es muy diferente, escribir da la sensación de sobreexposición. Sin embargo, como ya expliqué, hago las cosas de forma orgánica. Ya cuento estas historias oralmente cuando expongo mi obra. Así que quería escribir con la misma naturalidad con la que hablo. En mi familia ya existía la tradición de contar historias y me basé en esa experiencia. Esta historia es extensa e integra muchas capas que permiten acceder a un significado más profundo. El libro integra múltiples capas, al igual que mi pintura.

CT: ¿Cuál es su público objetivo? ¿Adultos y/o niños?

HR: Cualquiera. El libro fue diseñado para que la diáspora se reconectara con sus raíces. Las personas de la diáspora se ven constantemente separadas, atrapadas en la confusión y la ilusión. Algunas incluso temen definirse como afroamericanas y se niegan a recuperar sus raíces africanas. En lugar de luchar con etiquetas (negro, afroamericano, etc.), las personas de la diáspora deberían concentrarse en defenderse con inteligencia en lugar de agresividad. Es crucial incorporar nuestras historias al sistema educativo. Me encantaría que mi libro se estudiara en primaria y secundaria; probablemente tendría que escribir una versión diferente, pero la actual ya funciona para algunos rangos de edad. Mi deseo es que estas historias se enseñen en las escuelas, en la preparatoria o en la universidad. Sin embargo, debería ser fascinante que cualquier lector descubra que se trata de una mitología negra que desconoce. Mis historias en el libro son odiseas que se reinventan y también una forma de ofrecer una perspectiva fresca sobre nuestros orígenes.

CT: ¿Fue fácil encontrar una editorial y convencer a la gente con el proyecto?

HR: Puede ser complicado proponer un proyecto que sea diferente de lo que haces habitualmente porque la gente proyecta expectativas en ti. Soy un artista independiente y he creado mi propio equipo porque quiero poder hacer las cosas de forma orgánica. Si quiero esculpir y la gente cuestiona mi capacidad para hacerlo porque no es lo que suelo hacer, quiero poder defenderme y decir: «Sí, esculpo». De hecho, pude producir la estatua Unbound en Boston. [2] Con Las crónicas de Ori , estoy tratando de integrar las historias de nuestras raíces africanas en el canon. Dirigí la investigación e interactué con académicos, por ejemplo, Helen Morales, que se especializa en los clásicos en la UC Santa Bárbara. En algún momento, hablé de mi proyecto con una editorial muy conocida a la que le encantó el proyecto y trabajó conmigo durante nueve meses para ver si debía seguir siendo un proyecto individual o un proyecto colectivo. El inconveniente era que no imprimen imágenes, y el libro no podía funcionar sin ellas. Se ofrecieron a tener una portada ilustrada, pero no fue suficiente. Los dioses al otro lado del Atlántico se han blanqueado y las imágenes que se integrarían en el libro reequilibrarían esta visión y darían como resultado una obra en la que la diáspora volvería visualmente a sus raíces y no se vería caucásica. Así que empecé a trabajar con un agente literario que me aconsejó que considerara a otra editorial, WW Norton, que estaba interesada en utilizar las ilustraciones que había creado. Norton ya se había comprometido a publicar un libro sobre el mismo tema, pero había una gran barrera lingüística porque el autor utilizaba muchos términos africanos que resultaban confusos para los lectores angloparlantes, y era difícil para el público general comprender estas historias. A Norton le encantó mi concepto porque puede llegar a todo el mundo y es comprensible. Es importante transmitir la idea de que la historia que cuento en mi libro no es una reinvención ni una transformación, sino un retorno a lo que existía antes. Estoy transformando la visión, no la historia.

CT: ¿Podría contarme más sobre el proyecto de estatuaria que completó en Boston, ya que es muy accesible al público en general?

HR: Me gusta que mi arte en general sea accesible. Sin embargo, como artista tengo que ganarme la vida. Por lo tanto, tengo reglas que quiero que mis coleccionistas sigan: no rehago una pintura ni una historia, y si alguien compra una de mis obras, debe aceptar que la use para exposiciones en museos, debe permitir que la pieza que compra se exhiba al público. Debe aceptar que la pieza estará fuera de su casa durante meses. Siempre tengo en mente las exposiciones en museos. No produzco muchas piezas al año, hay una lista de espera para comprar mi trabajo y doy prioridad a los museos. Una de mis mayores emociones fue ser adquirida por la Institución Smithsonian, aunque Oya’s Betrayal (2020) no esté constantemente en exhibición. [3] Además, no hago ningún trabajo por encargo a menos que sea público y esté alineado con mi mensaje.

En cierto momento, sentí el deseo de crear esculturas, lo cual sorprendió a mi equipo, ya que mi práctica se basa en la pintura. Recibí un correo electrónico de MASS Design informándome que buscaban artistas para la Capilla del Rey en Boston. Querían crear un monumento en memoria de las 219 personas esclavizadas que ayudaron a construir la iglesia y que formaban parte de la congregación. Pensaron en mí porque mi estética visual encajaba a la perfección con la iglesia y me pidieron que presentara una propuesta. Vi en esto la oportunidad de crear una escultura. Me dieron total libertad creativa. Me enviaron imágenes de la iglesia para que pudiera comprender el entorno. Creé una maqueta con una versión 3D de la escultura y un dibujo del techo, cuyas proporciones me inspiraron mucho. Mi esposo no estaba convencido de que me dieran permiso para pintar el techo de una de las iglesias más antiguas de Boston. Presenté dos propuestas: una para una estatua y otra para el techo y, en lugar de elegir una, seleccionaron ambas. Tras esta aprobación, les hice una maqueta que les encantó. Durante este proyecto, aprendí algo sobre mí misma: puedo esculpir más rápido que pintar. Fue un proceso de aprendizaje. También visité el lugar para conocer mejor la historia de la iglesia y descubrirla por mí misma. Ir allí y sentarme en los bancos donde estas personas esclavizadas se veían obligadas a sentarse sin poder comunicarse con la congregación me hizo comprender cómo se sentían. Tenían que sentarse en bancos tan cortos e incómodos que sus rodillas quedaban pegadas al frente. Aunque la iglesia era hermosa, era como estar en una jaula. Así fue como empecé a pensar en una jaula dorada en la que estaban atrapadas como pájaros a los que se les impedía volar libremente. Quise jugar con este concepto. La mujer que está al frente es una estatua de bronce de 4,2 metros, una estatua de una mujer negra vestida con atuendo histórico, pero que no está representada como una persona esclavizada. Es libre y parece ser una especie de matriarca de la diáspora. Ella está vaciando esta última jaula y, mientras los pájaros vuelan, habla con uno de ellos que ha salido volando y está posado encima de la jaula. Tiene una mirada muy estoica, sin turbante y con su cabello natural suelto. Habla con el pájaro que representa la diáspora, como si dijera: «Estoy cargando con el peso de lo que pasó aquí para que no tengas que cargarlo y puedas usar tus alas para volar lejos». Para el techo, la idea era arrancar la parte superior y crear un cielo con personajes mirando hacia abajo y comunicándose con todos los que están abajo, abriendo jaulas para 219 pájaros que representan a las 219 personas esclavizadas. Para crear la estatua, trabajé con una fundición en Los Ángeles, porque vivo y trabajo allí […] y es la gran noticia. Primero trabajé con una arcilla a base de agua porque tenía un plazo ajustado y luego la fundieron en bronce. Trabajé con un soldador que hizo el esqueleto, luego esculpí la pieza.Quería trabajar en estrecha colaboración con la gente de la fundición.

Mientras continúa la gira de presentación del libro Crónicas de Ori , quiero expandir mi práctica artística a la escultura y la instalación en la exposición que acompañará al libro. Ahora que me he adentrado en la escultura, simplemente quería seguir adelante. He estado trabajando en bustos de dioses y creando máscaras, como una de la Virgen María o San Pedro, como parte de una instalación inmersiva. Trabajo principalmente con arcilla al óleo, lo que me permite añadir muchos detalles. Normalmente, parto de una de mis pinturas: tomo una parte de una figura y la esculpo en tres dimensiones. El proceso me resulta muy natural, casi más fácil de lo que esperaba. Planeo fundir las piezas en bronce y experimentar con texturas, telas y acabados. He esculpido en madera antes, y me encantaría trabajar con piedra o mármol algún día, pero ahora mismo el tiempo es una limitación importante. La arcilla es, sencillamente, el medio más rápido y flexible para mí. Una vez fundida, sigue sintiéndose sólida y valiosa, por lo que es la mejor opción para esta etapa de mi práctica. Últimamente también he estado explorando otros materiales , como la resina mezclada con polvo de mármol , porque se comporta como el mármol pero se puede moldear y pulir.

CT: ¿Tiene algún proyecto local en el área de Los Ángeles?

HR: Sí, estoy preparando una colaboración con el Getty Center de Los Ángeles para la exposición «Los comienzos: La historia de la creación en la Edad Media», que comienza en enero de 2026 [4]. De hecho , solicité participar en un proyecto sobre la Virgen María y me reuní con el equipo del Getty en mi estudio para que conocieran mi trabajo. Finalmente, la exposición sobre María no se concretó, pero la junta directiva del museo decidió colaborar conmigo en un proyecto sobre la Creación. Mis obras se presentarán en diálogo con las piezas expuestas en el Getty Center.

También tengo otro proyecto en el sur, vinculado a mi interés por educar y compartir: estoy creando un programa de residencias para apoyar a artistas jóvenes. Mi equipo y yo hemos estado buscando propiedades amplias en los alrededores de Atlanta para crear una incubadora donde artistas autodidactas, como yo, puedan desarrollar su práctica. Estará dirigido a personas que no asistieron a escuelas de arte prestigiosas. Quiero ofrecer talleres creativos y también unidades donde las personas puedan beneficiarse de estancias más largas.

CT: Me recuerda al programa de Titus Kaphar en New Haven y a la comunidad de artistas que creó para apoyar a quienes no forman parte de programas de élite. ¿Se te ocurre alguien que te haya inspirado especialmente en tu desarrollo artístico? ¿Un artista? ¿Un profesor?

HR: ¡Por supuesto, mi profesor de arte de la preparatoria, el Sr. Danielson! Era artista y un profesor que se tomaba el arte muy en serio y era extremadamente estricto. Recuerdo que a mucha gente no le caía bien por eso. Pensaba que su clase iba a ser demasiado fácil, pero era una persona exigente. Recuerdo que la primera nota que saqué de él fue una D. Le dije a mi madre que no quería volver allí. Ella me dijo que probablemente no me estaba esforzando lo suficiente y que el Sr. Danielson se había dado cuenta. Me obligó a repetir la clase y me advirtió que escuchara todo lo que el profesor dijera y siguiera sus reglas. Fue muy difícil para mí porque odiaba la preparatoria. Pero volví a tomar su clase, esta vez escuché y me esforcé, y me puso una A. No solo me puso una A, sino que me dijo: «¿Sabes qué? Te he enseñado todo lo que sé. Tienes talento, y tengo un amigo profesor en el colegio comunitario. Puedo escribirte una carta de recomendación para que puedas tomar el resto de tus clases allí y aprender más sobre arte». La idea de trabajar con un profesor en un entorno universitario era maravillosa porque significaba alcanzar libertad creativa. Así que creo que el Sr. Danielson fue, sin duda, el catalizador de mi carrera, además de mi madre. 

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Notas

1. Harmonia Rosales, Las crónicas de Ori: una epopeya africana, Nueva York WW Norton, 2025.

2. Unbound, en King’s Chapel en Boston, fue inaugurado en septiembre de 2025. King’s Chapel dedicó un sitio web al proyecto y al monumento: memorial.kings-chapel.org/about-the-memorial .

3. Harmonia Rosales, La traición de Oya, 2020. Óleo sobre tabla de madera con óxido de hierro y pan de oro de 24k, 59,7 × 90,2 cm. Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana, Washington. nmaahc.si.edu/object/nmaahc_2021.66 .

4. Orígenes: La historia de la creación en la Edad Media, Getty Center, Los Ángeles, del 27 de enero al 19 de abril de 2026.

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Publicación fuente Transatlantica, no. 2, 2025. Para leer esta entrevista en inglés: https://journals.openedition.org/transatlantica/27751